UN FUORI SALONE DIVERSO: IL DESIGN +(più) SENSIBILE IN ZONA 5

C’è molto entusiasmo e molto fermento per questo “numero zero” in zona 5 (Via S. Gottardo/Via Meda/Chiesa Rossa/Piazza Abbiategrasso/Conca Fallata). Non si tratta di proposte consuete per l’ennesima zona proposta tra le tante nel Fuori Salone: il Municipio 5 insieme agli organizzatori punta su cooperazione e umanizzazione, design etico e sostenibile, attenzione ad aspetti profondamente legati alla persona inserita in una comunità. L’iniziativa, ideata da Massimo Caiazzo coinvolge i visitatori in un percorso dedicato alla possibile integrazione tra l’uomo e l’ambiente urbano, tra persone fragili e lavoro, per rendere più piacevoli le azioni e le relazioni quotidiane e valorizzando i singoli e la collettività. Un modello di cooperazione tra cittadini, associazioni, istituzioni e realtà imprenditoriali che sottolinea la necessità di umanizzare il design per creare contesti sereni e vivibili da tutti, nel pieno rispetto del benessere e della dignità della persona e di tutta la comunità. Una grande occasione per rigenerare e rivitalizzare il tessuto sociale e culturale del quartiere e per offrire un approccio diverso al design nell’ottica di una reale valorizzazione delle periferie. In questa ottica il Municipio 5 ha sostenuto con forza tutta l’iniziativa. Un programma intenso e carico di contenuti che dal 17 aprile si svolgerà nelle location più significative con installazioni e mostre dedicate al tema insieme alle tante realtà eccellenti della zona: Zeus, Mauro Mori, Alessandro Guerriero e la scuola Tam Tam, Johnny Dell’Orto e Artè, Fulvio Michelazzi e il PACTA Salone, Marco Rizzuto, lo IACC-Italia e le esperienze sul colore, l’Hub… fino all’installazione di Dan Flavin alla Chiesa Rossa. Collaborazioni con associazioni importanti come Wurkmos e Ri- costruzione, oltre a laboratori e conversazioni, occasioni uniche condotte da professionisti illustri.

Conferenza stampa giovedì 15 marzo ore 11,30 presso Pacta Salone Via Ulisse Dini, 7, 20142 Milano Siete invitati

Programma

Design + Sensibile: per saperne di più

Trimodernità & Clasificación Art

ranking_invito_mail

por Aldo Carrozza

– Germano Alcar
– Gianluca Botti
– Davide diales
– Amelia Morelli
– Mariella Romano
– Carlo Sassi
– Leonardo SCARFO
– Raffaella Vitiello
Emanuela Volpe

Nápoles / Castel dell
14 Septiembre / 1 Octubre

Vernissage Sábado 14 Hora septiembre 18.30

Técnico Socio NEAEXPO 081451358
Spazionea.it

Ciudad de Nápoles

www.rankingart.it

La Börs dipinta

Un feliz encuentro entre el arte y la moda.
En manos de la pintora Emanuela Volpe un artículo olvidado de nuevo a la vida.

cricribag-emanuela-volpe-8263

Pintar el 27 Junio 2013 TODO 18
La exposición continúa hasta 7 Julio 2013
con cita previa
3470362960

…también habrá crìcrìbags para el verano

en:

Arco. Cristina Milisich
Vía Parravicini 13, 20125 Milán
teléfono móvil: 3470362960
correo electrónico: cristina.milisich@gmail.com

www.cricribags.artediretta.it

Crìcrìbags by Cristina Milisich

primavera-estate-2013Nació en 2010 por Cristina Milisich arquitecto y diseñador industrial, la marca ofrece un señalador dinámico y versátil directamente al corazón de sus clientes la primera línea Tríptico:
un accesorio único y combinable, práctico y adaptado, hecho en Italia.
No uno, sino tres bolsas, disponibles por separado o combinados entre sí a través de un sinfín de personalizaciones.

Leer más: cricribags

"Las formas del agua": una sala de exposición de arte Newform colectiva

Se puede admirar la obra de Gaston Mariani, Eugenio Moi, Nada PIVETTA

Ver más noticias de la exclusiva showroom di Newform! Esta vez, de 16 al 23 Mayo, Espacio será la sede, en Vía Fiori Oscuro 3 en Milán, un colectivo artístico llamado "Las formas del agua". El colectivo nació en un espacio que cuenta con agua, y diseño que rodea todos los días por lo que es utilizable, su razón de ser.

La muestra, que ha recibido Patrocinado por Brera, está comisariada por Cristina Muccioli, crítico de arte y profesor de la Academia de Brera, combinando Gastone Mariani (pintor y ex director de la Academia de Brera) Eugenio Moi (pintor) y Nada PIVETTA (escultora). Cada uno de los artistas ofrecerán una visión personal del elemento-siempre cambiante, vital, polimorfo- dijo que el tema de la exposición.

El Showroom Newform es una exposición entorno de gran valor en el corazón de Brera, dedicada al diseño y fuertemente orientada a la investigación y proponer la excelencia italiana con una fuerte connotación de estilo e innovación tecnológica. Desde que nació, Intercambios Espacio Mirando de fecundación mutua con el área vecina del arte, Proponer eventos, exposiciones, Exposición.

Gracias Newform y las actividades del taller creativo Newform LAB será un nuevo viaje de descubrimiento del arte contemporáneo y el agua, a través de los artistas, será capaz de despertar el interés por la percepción multisensorial.

"Las formas del agua" es otro proyecto que demuestra la misión y el espíritu de Newform y la búsqueda continua de experiencias únicas y caminos donde se encuentran el ingenio, talento, vanguardia, belleza y funcionalidad en todas sus formas!

"Las formas del agua" abre Jueves 16 Mayo 2013, con un cóctel de bienvenida, pm 18.30.

 

Título: "Las formas del agua"

Dirección: Showroom Newform – Vía Fiori Oscuro, 3 – Milán

Fecha: de 16 al 23 Mayo

Inauguración: 16 De mayo a las 18.30 – 21.00

Para los otros días de la visita es con cita previa.

Para contactos, reservas y tours: 333 274.54.51

La entrada es gratuita.

 

Para obtener más información seguir la página de Facebook:

http://www.facebook.com/Newform.Italia

o en el sitio de Newform: www.newform.it

 

Acerca del Grupo NEWFORM

Una historia de la Newform, www.newform.it, través oscilante tiempo entre el pasado y el futuro. La importancia de la relación con la tradición y la experiencia adquirida a lo largo de los años se entreteje, en la filosofía de la empresa a un fuerte deseo de mirar hacia el futuro con una mirada que puede anticiparse y proponer nuevos estilos y tendencias.

Con una amplia experiencia en la asistencia a la digital de los procesos de producción más modernos, etapas de procesamiento y acabado artesanal, Newform se distingue por su meticulosa atención a los detalles que hacen que cada pieza sea única.

Constantemente en busca de nuevas soluciones en el campo del diseño de moda y la tecnología, el valor agregado que hace Newform una realidad diferente y de calidad superior es el fuerte énfasis en la responsabilidad ambiental y la comunicación.

Una imaginación inagotable y fuerte responsabilidad social corporativa Newform guía hacia el futuro.

 

Para obtener más información

GABINETE DE PRENSA NEWFORM

FÁBRICA DE PRIME

Magdalena Pasquali

m.pasquali @ factorygroup.it

Eleonora Bresesti

e.bresesti @ factorygroup.it

Tel.: 02.33499060

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Emanuela Fox show en SUIZA EN EL ARTE 2012

El pintor expresionista Emanuela Fox presentará algunas de sus obras en la artesanía fina Swiss International, Obras maestras suizas en el evento en colaboración con ARTE DE LUGANO.

 

Exhibition Centre
Via Campo Marzio
6900 Lugano Suiza

E orar d'fecha de apertura
Jueves 22 De noviembre, de 15.30 TODO 22.30
Viernes 23 De noviembre, de 15.00 TODO 22.30
Sábado 24 De noviembre, de 10.30 TODO 22.30
Domingo 25 De noviembre, de 10.30 TODO 20.00

http://www.emanuelavolpe.it/

Nueva York Murales

www.newyorkmurales.comEste sitio pretende ser un viaje en el tiempo en mi Nueva York, desde finales de los 80 ahora.

La primera vez que vi la verdadera ciudad de Nueva York estaba fascinado y encantado.

Esto no habría sido posible si uno de los primeros en mis viajes no hubiera conocido a Carlo Medori, Le debo mi gratitud por haberme mostrado la verdadera esencia de las citas. Yo estaba plagado con su pasión por los murales y las calles casi inaccesibles, pero lleno de vida.

Apenas salga un poco de Manhattan y se encuentran en barrios muy diferentes, donde se puede escuchar sabores, olores provenientes de todas partes del mundo, como si no hubiera muchos pequeños microcosmos de las diferentes culturas que conviven en una comunidad grande.

Años de viajes me han traído muchas satisfacciones, tanto artística como personal; 11 años atrás me puse a 40 mis fotografías en una presentación en Milán, donde conocí a mi marido.

Ahora me siguen en mis viajes, y es particularmente valioso en el sitio de construcción, en todas sus partes.

El que salió y que es visible en el sitio es mi viaje "privado" a través de las complejidades de esta ciudad de múltiples facetas, a través de los murales, que son el verdadero arte.

El lema “El graffiti es un arte, no es un crimen!” Es totalmente apropiado.

Los murales "contar una historia", tienen una vida, a veces corto a veces largo, son muy importantes desde el punto de vista cultural, social y pollitico.

Los murales decir las esperanzas, el paure, el tensioni, hablan de las guerras en curso o finalizadas, problemas con las drogas, dejar un recuerdo a las personas desaparecidas, orinar menos famoso. Son una forma de entender la realidad, para comprender las alteraciones que se están produciendo; Los murales no perder de vista todo lo que pasa y se pierde tanto de enorme importancia.

Con los años la vida de los propios murales alterado radicalmente. Mientras que hasta hace unos años se podía ver en cada barrio murales, en muchos aspectos, todo está ahora casi enteramente concentrada en 5 Pointz, como si no hubiera la necesidad de "limitar" el arte dentro de las paredes. Es un gran pecado, FAL como las paredes reflejan el alma, los sufrimientos y las esperanzas de todo un país.

Ahora, si quieres seguirme en mi viaje 20 edad,
visita www.newyorkmurales.com

Juegos Olímpicos de Londres 2012: Nacido para brillar

“Nacido para brillar” el grupo de cinco maniquíes es un homenaje a los Juegos Olímpicos, el significado original de estos juegos. Dedica un vistazo a las victorias posibles, sino también la riqueza de la diversidad, comparación entre hombres de diferentes culturas, que se miden tratando de superar. La frase está tomada de un texto de Nelson Mandela, que habla de los valores de la igualdad y la moral, dell’ el orgullo de ser hombres nacidos para hacer resplandecer la gloria de Dios. L'África, en un negro y áspero, pinturas programas de iniciación en muchos pueblos africanos también coincide con la celebración colectiva (Emanuela Volpe). El Europa, memoria de gráficos sofisticados en un campo verde citar rasgos culturales y la naturaleza del viejo continente (Pea Trolli). L'Oceanía, una de plata reluciente versión del cuerpo y la cubierta de colores aguados y las mareas cambiantes (Francesca Bruni). América, dos mundos opuestos y vitales, suspendido entre el pasado y el futuro (Rita Carelli Feri). L'Asia, manchas de cuerpo en colores contrastantes para una mutación vibrante y creciente (Renata Ferrari).

Los maniquíes de hermosos y preciosos fueron donados por Maniquíes Visión.

El grupo de Artemisia

Francesca Bruni, una crema de Erba (CO) en 1970, vive y trabaja en Milán. Recibió su madurez artística, y se graduó en pintura en la Academia de Bellas Artes en Milán.
Más tarde asistió al estudio del profesor Luigi Lomanto dedicada a incrementar el dibujo técnico y pintura al óleo.
En 1997 se unió al grupo de Artemisia. Su negocio de la pintura decorativa para uso privado, las empresas y el público local,.

Rita Carelli Feri nata de S. Colombano al Lambro (MI) en 1943. Realiza estudios técnicos en Lodi. Tras la noche de Brera y un curso en Caprese fresco de Miguel Ángel (SER) con el Prof.. Saldarelli Academia de Florencia. "Era un alumno de Luis Lomanto.
Miembro fundador del Grupo de Artemisia. Vive y trabaja en una casa de campo en S. Leonardo.

Renata Ferrari nació en Milán el 23-7-1960 vive en Milán y enseña arte en la escuela de arte ", Boccioni".
Recibió su madurez artística en la Escuela de Arte de las Hermanas Ursulinas de San Carlos 1978. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Brera en 1982. Miembro fundador de la Artemisia.
"Era un alumno de Luis Lomanto, Pedro Diana, Angela Colombo, Zenón Birolli.

Pea Trolli nació en Milán el 20-4-1952.
Recibió su madurez artística en 1970 en el Art S College Ursuline. Carlos y su licenciatura en arquitectura en 1976 en el Politécnico de Milán. Miembro fundador del Grupo de Artemisia. Ha studiato con il pittore Luigi Lomanto. Vive e Lavora una paloma Milano insegna ed. arte en la escuela intermedia "E. Colorni ".

Emanuela Volpe nació en Milán el 30-04-1958, vive en Trezzano sul Naviglio y enseña arte en la escuela de arte de Milán Boccioni. Recibió su madurez artística en la Escuela Secundaria Ursuline S. Charles en 1976. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Brera en 1980. Miembro fundador de la Artemisia. "Era un alumno de Luis Lomanto, Luigi Veronesi, Pedro Diana, Angela Colombo, Raffaele Degrada, Beppe Devalle, Domenico purificada, Roberto Sanesi, Dino Lanaro.

www.artemisia5.it

Visión Manichini

Maniquíes Vision está especializada en la creación y producción de maniquíes para exhibir, sobre la base de los modelos de los modelos reales, asegurando proporciones reales y el ajuste perfecto. Vision usa escultores maniquíes experiencia creativa clara y probada, específicos de la industria "dummies", que le permite crear plantillas "ad hoc" en estilo, en tamaño o posición. Estas capacidades han permitido maniquíes visión de ser contados entre los proveedores oficiales de algunas de las marcas más famosas en el mundo de la moda.

www.visionmanichini.it

Asociación cultural fundada ORSOLART

El día 24 Mayo 2012 mineral alle 18,30 ORSOLART nacido, presenta por primera vez al público con un evento de exhibición días, para marcar el primer paso de una asociación cultural dedicada a, abiertos a nuevas experiencias y la asistencia.

Ocasión presentará algunas obras.

Entrada libre.
Dirección:
Claustro de la Ursuline, por Lanzone 53, Milán

Información:
orsolart@gmail.com

“Muse ofrece correo” Exposición de arte contemporáneo – Lucio Forte

El día 20 Marzo 2012, algunas obras del pintor y arquitecto Lucio Forte di Milano, se exhiben en la Galería de Arte de Chie Milán en el colectivo de arte contemporáneo titulada “Muse ofrece correo”. La exposición pone de relieve el sentido histórico y artístico de la belleza de las mujeres como protagonistas de la escena pictórica, traición a la elegancia OFA viaje estético que Muse va a la consecución de la belleza como verdad o representación, o su antítesis.
La estética se define por Kant como el juicio del gusto que cubre lo bello y lo sublime de la naturaleza y el arte, riconducendosi el sentido etimológico, por Aisthànomai o Aisthesis o percibir con los sentidos, Me siento, sensación.
Y las sensaciones de belleza que son causadas por las fuentes arquetípicas de inspiración artística.
Hay también varios otros artistas, pintores y escultores muestran sus representaciones personales en, lo que permite una comparación interesante y profundo sinérgica tanto para los clientes que, a los mismos autores.
Apertura de la jornada del martes 20 Marzo 2012 horas 18:30.
Entrada libre.
Chie Art Gallery.
Viale Premuda 27, Milán.
+39 02 36601429.
La exposición permanecerá abierta hasta el día 31 Marzo, Lun veces 15:00-19:00, Mar-Sab 11:30-19:00.

Para obtener más información:

www.chieartgallery.comVisualizza mapa de eventos

 

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Artemisia Gentileschi en el show en Milán, Palacio Real

Artemisia Gentileschi
Historia de una pasión.

Milán, Palacio Real desde 22 Septiembre 2011 al 22 Enero 2012

Reconocido por su valor real sólo después de tres siglos, Artemisia Gentileschi es ahora considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XVII europeo. Milán rinde homenaje a esta importante mujer en el Palacio Real de alojamiento una amplia selección de obras.

Una exposición que no debe perderse para los amantes de esta pintura llena de significado y emoción.

Sitio web oficial:

www.mostrartemisia.it

 

Opera en la imagen:
Judith Holofernes Slaying.
Óleo sobre lienzo cm 199 x 162,5 realizado en 1620 hacia. En la Galleria degli Uffizi en Florencia.

Artemisia Gentileschi contada por Emanuela Volpe

Artemisia en el arte contemporáneo

francesca bruni - ritratto dipinto

La figura de Artemisia, en nombre de todos los que se las arregla para sugerir, Fue elegido por cinco mujeres pintoras como el nombre de la protección de una trayectoria profesional, sino también humana, relacionado con el arte: unidos por un origen cultural similar y perfiles de búsqueda similares, de 1992 Ellos han formado una asociación y el trabajo humano que es el sustrato común a sus personalidades artísticas, sin cancelar cada especificidad.

Viajando en diferentes carreras y existencial, Ellos han optado por trabajar juntos, y no sólo cooperar, pensando que la dialéctica constante sobre las cuestiones comunes podría ser un presagio de estímulos para la investigación y el potencial de crecimiento.

rita carelli feri - ritratto dipinto

Francesca Bruni, Pea Trolli, Renata Ferrari, Emanuela Volpe y Rita Carelli Feri, No eran compañeros de clase ni de juegos: el entorno escolar y el humano que ha crecido no a partir de una base común.

El encuentro tiene lugar en el estudio de un pintor en Milán, Luigi Lomanto, que cada uno de ellos eligieron como la mejora gimnasio después de un curso completo de estudio comenzó en la escuela de arte y entró en la academia o en la universidad.

 

Emanuela Volpe

Será el trabajo del maestro socrático, la disponibilidad de su espacio, el poder de su curso colegial de enseñanza para dar una perspectiva de trabajo colectivo.

 

Todo quedó como número de grupo de rutas de búsqueda, nacido de una matriz común reconocible claro para ser rechazada, pero, en cinco caminos creativos diferentes.

 

renata ferrari - dipinto

“El foco de la investigación es la figura y su universo”, “con una pintura tonal hecho de líneas nítidas y colores fuertes ya menudo antinaturalista que pueden representar la humanidad sofisticado y enrarecida”(Emanuela Bonadeo)

 

 

pea trolli - dipinto

Artemisia Oficial sitio 5:

www.artemisia5.it

 

 

 

 

 

 

 

Mostrar Cézanne Milán

Milán, de 20 Octubre 2011 al 26 Febrero 2012

Un homenaje al gran maestro originario de Aix-en-Provence y su manera única de pintura que tenía tanta influencia en los artistas de los movimientos posteriores como el cubismo y el surrealismo.

Las primeras obras, los magníficos retratos, paisajes, los famosos bodegones, hasta las últimas pinturas extraordinarias de principios del siglo XX: alrededor de cuarenta obras, de los principales museos internacionales, entre ellos el Museo de Orsay, El Petit Palais, Tate, l'Hermitage e la National Gallery de Washington di.

 

La muestra

Obtener en el estudio de Paul Cezanne significa penetrar profundamente en su proceso creativo.
En el estudio se originó su historia, vida biológica cruz y la vida del sueño; Su trabajo se basa en la unidad a través del conocimiento. Sus sentimientos, percepción, la reflexión se sublima; su poesía es desarrollado y plenamente.
Para aquellos, como el maestro de Aix, Él ha consagrado toda su vida a la pintura de la investigación, espacio en el enfoque y el trabajo es una dimensión fundamental, un verdadero “lugar de la mente y la memoria”, que es de hecho el entorno cerrado dentro del cual el artista consolida su trabajo y construye sus composiciones, pero al mismo tiempo se identifica con una dimensión mental en el que el motivo o el mundo natural, su Provenza, simbólicamente representado por la montaña Sainte Victoire, Se incorpora en su esencia y se transforma en la imagen.
En este gran, ideal y extraordinariamente único “Taller Midi” Cezanne desarrolla y desarrolla las direcciones principales de arte moderno se compara con una línea de continuidad con la gran tradición está en la reestructuración de las vanguardias, para lo cual su investigación silenciosa y tenaz será una referencia esencial.

Basta con mirar los retratos sobre la marcha de entender el carácter de Cézanne: duro, testaruda, determinado. Físicamente y carácter, Parece que el contorno de la montaña de Sainte-Victoire, Su horizonte de favorito: obstinadamente fiel a sí misma, propiedad antes del cambio de los tiempos y las edades, sin embargo, capaz de captar las sutiles variaciones de luz, comprender las razones y geometrías, medir con calma cada espacio.
En su consistencia inquebrantable, Cezanne tuvo una pelea con todos: amigos, escritores, pintores. Es con vistas de París, pero él la amaba, prefiriendo un circuito estrecho y simple de los lugares familiares; cigarros que ostentan los impresionistas prefieren la paciencia de la tubería, bailes naipes populares en la barra del país, a las instalaciones de Montmartre y parques a lo largo del Sena una casa de campo rodeada de naturaleza sencilla.
En su soledad rocosa fuera de moda, Cezanne es sin duda el más grande pintor de su generación y consciente.

Él entendía todo: la luz y el color, la forma y el diseño, perspectiva y la libertad. Saltó en el límite del Impresionismo, la espiral descendente de un movimiento que fue reflejando en sí, el riesgo de no encontrar salidas y desarrollos; Regresó un significado profundo para “historia”, recuperando temas, maestros y composiciones que fueron precipitadamente considerados anticuados; Se anticipa descaradamente movimientos de vanguardia de principios del siglo XX con las declaraciones secos y deslumbrante, pero sobre todo con pozo cuadrado moderno.
En una vida enmarcada por la burguesía rica de la provincia, Cezanne construye prácticamente solo el arte del siglo XX. La suya es una inteligencia superior, en el sentido de la capacidad de entender las reglas del arte, desarmarlas uno por uno y volver a montar en una nueva forma, extraordinariamente efectivo.
Lejos de los focos de la Ciudad de las Luces, y sólo ha rodado marginalmente la atención de los críticos, Cézanne mantiene el perfil de una “artesano” pintura. Sólo después de su muerte, cuando se otorgó una exposición retrospectiva, jóvenes pintores como Picasso y Matisse entienden la deuda a un gran maestro, más bien, contra una “clásico” que da un nuevo significado a todo el curso del arte moderno.

 

Los textos y las imágenes tomadas desde el sitio web oficial:

http://mostracezanne.it/

En una señal de Bot

REGÍSTRATE EN OBRAS BOT, Imágenes y documentos
La exposición estará abierta desde el 18 Diciembre 2011 al 19 Febrero 2012
Horas: sí martedì de Domenica 10,30 – 12,30 / 16,00 – 19,00
Los participantes tienen el Catálogo Guía de la exposición y podrán consultar el libro de Carlo Gazzola BOT.

Los campos Espacio
Museo de Fotografía y Comunicación Visual de Piacenza Via Garibaldi, 63 – 29121 Piacenza – Tel. 335 6103297 www.spaziocampi.it / info@spaziocampi.it

Mostrar Pixar Milán

El Pabellón de Arte Contemporáneo de Milán presenta la exposición PIXAR - 25 años de animación, editado en Italia por Maria Grazia Mattei, patrocinado por el Ayuntamiento de Milán - Cultura, Expo, moda, Diseño y producido por el Pabellón de Arte Contemporáneo PAC, 24 HORAS Cultura - Grupo 24 ORE e da Mattei Comunicación Digital / reúna con los medios Guru.

Después de que el MOMA de Nueva York y una gira internacional, desde Australia hasta el Lejano Oriente, La exposición llega por fin en Europa y una vista preliminar en Milán.

Un camino construido con más de 500 obras, un viaje a través de la creatividad y la cultura digital como un lenguaje innovador aplicado a la animación y el cine: el primer largometraje dedicado a Luxo Jr..(1986) las grandes obras maestras como Monstruo & Co (2001), Historia del juguete (1, 2 y 3), Ratatouille (2007), PARED·E (2008), Arriba (2009) chino de autos 2 (2011) y por un frente Valiente, la producción en 2012.

"Muchos no saben que la mayoría de los artistas que trabajan en Pixar utilizar los medios que su arte - Dibujo, pinturas al temple, pasteles, y técnicas de escultura - tales como los de los medios digitales. La mayoría de sus obras "- escribe John Lasseter, director creativo oficial de di Walt Disney y Pixar Animation Studio e Fondatore di Pixar (con Steve Jobs) que estará en Milán el 21 Noviembre para un evento público - "vienen a la vida durante el desarrollo de un proyecto, mientras que estamos construyendo una historia o simplemente mientras vemos una película. La riqueza del patrimonio artístico que se forma para cada película rara vez sale de nuestros estudios, pero el producto final - la característica - que llega a todos los rincones del mundo, no sería posible sin esta etapa artística y creativa ".

Maria Grazia Mattei, comisario de la exposición en Italia y experto en la cultura digital, relata con satisfacción: "Sé que John Lasseter veinte años desde entonces y comparto su visión del mundo y la creatividad digital. Estoy feliz de llegar a Italia, de la persona, para inaugurar la exposición de "su" Pixar. Y Milán es en realidad más dispuestos a aceptar la innovación '.

La exposición presenta finalmente al público en la fase creativa y el mundo oculto de los maestros de la animación en cuatro secciones - Caracteres, historias, Mundos y convergencia digital - y dos instalaciones especiales y el Artscape Zoetrope, el uso de la tecnología digital para reactivar las obras expuestas en la exposición, diseñada por Fabio Fornasari, y volver a crear la animación emoción.

Las actividades de exposición anuales de la PAC se realiza con el apoyo de TOD'S.

El catálogo es una publicación de 24 HORAS Cultura - Grupo 24 HORAS.

PANTALLA EN OBRAS

Normalmente, cuando la gente piensa de Pixar, pensar en nuestras películas e historias convincentes que contamos. Piense en la última tecnología y los increíbles gráficos por ordenador. Por otra parte, no es necesariamente consciente del papel esencial que el arte y el diseño tradicional de juego en nuestro proceso de.

Como animador con formación clásica, John Lasseter siempre ha apreciado el arte tradicional que apoya la narrativa visual de la película. Quando, en 2004, el Museo de Arte Moderno de Nueva York nos ha invitado a exponer el arte de Pixar, aceptamos con entusiasmo. John habla a menudo de los tres aspectos esenciales de una película de Pixar: historia, el carácter y el mundo. Pixar para dedicar una enorme cantidad de tiempo en la historia. Es un proceso iterativo que puede continuar durante los cuatro o cinco años que se necesita para producir una de nuestras películas. en la historia, los personajes tienen que ser interesante y cautivar a la audiencia. además, estos personajes deben existir en un mundo que es completamente solamente. El resultado es que el valor del arte que se puede admirar en la exposición fue impulsada por el trabajo de diseño de estos elementos de nuestras películas.

La exposición de objetos de Pixar en una exposición del museo ha provocado la cuestión de si esto es realmente las obras de arte. ¿Cuál es la relación de estos objetos con el mundo del arte? Es fácil confundir el concepto de arte y las cuestiones que se aplican a la distribución y el público, pierde de vista el objeto en sí mismo y de sus cualidades artísticas inherentes. Es una buena oportunidad para los estudios como Pixar, la cual es una empresa de éxito de renombre internacional, participar en un debate con el mundo de los museos en lo que es "arte" y lo que es apropiado para mostrar en un museo

Los artistas de Pixar hablan con gran modestia de lo que hacen. de hecho, casi ninguno de ellos puede pensar en su trabajo, incluso enmarcado: y mucho menos expuesto en un museo. Esto se debe en parte al hecho de que el diseño y crear el concepto de arte en colaboración con el director y el diseñador de producción. Tuttavia, ver estos objetos fuera del proceso de hacer la película, admirándolas individual, puede cambiar nuestras ideas. Desde que el arte no hay discusión acerca de "lo que es arte". Si definimos el arte como una organización de proceso o producto y montaje de objetos para crear algo que estimula una emoción o una respuesta, entonces está claro que todos los objetos de la exposición son sólo eso y Pixar, entonces, cumplir con la definición de "arte". Nuestras películas son hechas por artistas y nuestros artistas, al igual que cualquier otro artista, elegir las herramientas que les permitan expresar sus ideas y sus emociones de manera más eficaz. Una amplia variedad de medios y técnicas está representado en la exposición: dibujos a lápiz y marcador, pinturas acrílicas, aguadas y acuarelas; pinturas digitales; yesos; modelos hechos a mano; y piezas en medios digitales. Algunos de nuestros artistas, formación tradicional, pinturas digitales añadidos recogen que les permite expresar algo que no podía expresarse por cualquier otro medio.

Para la exposición de 20 años de animación También se crearon MoMa dos instalaciones especiales, que seguirá acompañando a la exposición itinerante de 25 edad. Artscape es una alta resolución de soporte de instalación, en formato panorámico, Creata Usando el concepto de arte e arte de desarrollo. El uso de la tecnología digital, la técnica de dos dimensiones se explora en un movimiento tridimensional simulada.

El espectador puede entrar en la exquisita obra de arte detalles, admirativo. El cambio de las imágenes crea una sugerencia difícil escapar. La instalación es una metáfora de la experiencia que viven nuestros directores durante la visualización de una obra de arte conceptual y se imaginan lo que podría convertirse en la película. efectos visuales espectaculares se acompañan de un entorno sonoro increíble, que integra la acústica de nuestra lavoro.Zoetrope Toy Story de Pixar es la versión tridimensional de una invención anterior que ha demostrado y se muestra visualmente como una imagen repetida crea la ilusión de movimiento. El Museo Ghibli en Mitaka había creado y exhibido una magnífica tridimensional Totoro Zoetrope, que inspiró a nuestro equipo para hacer algo como. Este objeto extraordinario ejemplo de la cooperación artística y técnica, que es una parte integral de nuestro trabajo en Pixar. Fue desarrollado por los científicos y los animadores y artistas de Pixar, cercanamente. observándolo do tomar, entendemos casi por arte de magia la forma en la animación. En Pixar, el concepto de asociación es esencial y es en realidad poner en práctica. Aunque cada pieza de arte a menudo se atribuye a un solo artista, el proceso de su creación es de colaboración. Una idea puede ser desarrollada en una reunión, con diferentes personas que contribuyen a la discusión, o un artista puede hacer un boceto rápido que a su vez inspira un segundo artista, mientras que un tercero puede proporcionar una sugerencia que puede ser embebido en esa idea.

Es con este tipo de interacción que funciona a lo largo de nuestro proceso, y no sólo en la creación artística. La creación de una película de Pixar es una conversación continua. Las computadoras no hacen películas. Para hacer la película son las personas: artistas, los técnicos de montaje, animadores, directores técnicos. Todas estas personas dan vida a todo lo que se hace en Pixar.

Esta exposición itinerante ha llegado a millones de personas. Los visitantes se sorprenden al frente de esta obra, descubriendo con asombro, aunque la producción de nuestras películas es compleja tecnológicamente, todo comienza, siempre, con una muy simple gesto: un lápiz sobre una hoja de papel.

Elyse Klaidman

director, Universidad Pixar y conservador de los Archivos, Pixar Exposiciones

artículo original: mostrapixarmilano.it